Audeze habla con el saxofonista y compositor Aakash Mittal

Aclamado como "un fogoso saxofonista alto y prolífico compositor" por el Star Tribune (Minneapolis), Aakash Mittal está esculpiendo una voz dinámica en la intersección de la improvisación, la composición, el movimiento sonificado y el ruido. Su último álbum Nocturne fue descrito como "un disco hermoso y desafiante" por el Denver Post (y cuenta con compañeros artistas de Audeze Miles Okazaki y Rajna Swaminathan en sus instrumentos , junto con la mezcla de Liberty Ellman). Como compositor, Aakash ha escrito extensamente para una variedad de conjuntos y medios, generando más de cien obras nuevas. Los premios y distinciones de Mittal incluyen el premio Chamber Music America/ASCAP para programación aventurera de música contemporánea (2012), el premio Herb Albert/ASCAP para jóvenes compositores de jazz (2013) y la beca para artes escénicas y creativas sénior del Instituto Estadounidense de Estudios Indios (2013) .

 

"Me sorprende constantemente el nivel de detalle del sonido con estos auriculares... ¡Ojalá hubiera empezado a usar estos auriculares hace años!"- Aakash Mittal
Esta es nuestra conversación con Aakash:
¿Puedes elegir algún aspecto destacado de tu trabajo del que estés particularmente orgulloso?

Hay una pieza en mi álbum Videsh llamada "The Street" que sigue siendo una de mis canciones favoritas que he hecho. Era la primera vez que incorporaba grabaciones de campo y sonidos encontrados en una pista de música acústica improvisada. La pista se inspiró en mi primer viaje a la India. Fue una experiencia que me cambió la vida en la que conocí a un grupo de mi familia por primera vez y experimenté todo un mundo de sonidos de la ciudad en Nueva Delhi y Kolkata que nunca antes había experimentado. En el viaje, grabé los sonidos del tráfico y los bazares y los sonidos ambientales de las ciudades indias. Tejer esos sonidos con la improvisación acústica de mi banda cambió mi música. He estado lidiando con grabaciones de campo y ruido en mi música desde entonces.

¿Cómo definiría su papel principal en la mayoría de los proyectos en los que trabaja estos días?

Durante la mayor parte de mi carrera, a menudo he sido el líder de la banda, compositor e intérprete. Normalmente escribo un conjunto de música. La banda toca y toca mucho. Eventualmente, un compañero de banda o un miembro de la audiencia dice: “Oye, hemos estado tocando/escuchando estas canciones por un tiempo. Deberías grabarlos”. Cuando recibo ese mensaje, generalmente me inspira a entrar al estudio y documentar el proyecto. En mi álbum reciente Nocturne, fue la artista de mridangam Rajna Swaminathan quien, después de cinco años de tocar estas canciones, dijo algo como: "¿Qué piensas sobre grabar esta música?" Ese fue el ímpetu que necesitaba para que el proceso volviera a funcionar.

Desde que me mudé a Nueva York, he trabajado cada vez más como compositor para otros músicos. Actualmente estoy trabajando en una pieza solista para la violinista Mariefaith Lane y una pieza de cámara para la arpista Megan Levin de la Sinfónica de Houston. En 2019 terminé mi primera pieza para Wind Symphony titulada “Samay Raga for Wind Ensemble”. Fue interpretada por un consorcio de once bandas de viento de todo el mundo. Ese fue un proyecto épico que tardó unos cuatro años en escribirse. Me acababa de mudar a Nueva York y no tenía ningún trabajo. Teníamos uno de esos apartamentos donde el estudio es también la cocina, que también es la sala de estar. Necesitaba un proyecto, así que comencé a escribir la pieza en la mesa de la cocina, aunque realmente no tenía idea de lo que estaba haciendo. Nunca antes había escrito para cuarenta instrumentos así. Recuerdo haberle dado el primer boceto al director principal y me dijo: “La única percusión que tienes es un timbal y un platillo suspendido. ¿Qué haría yo con los otros cinco percusionistas?”. Terminé escribiendo para ocho percusionistas, cada uno tocando de dos a cinco instrumentos. Hubo una curva de aprendizaje empinada, que requería que fuera altamente colaborativo.Aprendí mucho al escribir esa pieza

Como acompañante, estoy tocando en la banda de Du Yun, Ok Miss estos días. Puedo tocar todos mis instrumentos, como clarinete bajo, saxofones, flauta, etc. Es un gran proyecto. Du Yun tiene una forma genial de componer y producir la banda. Les da a todos espacio para ser ellos mismos en la música y, al mismo tiempo, tiene una visión del sonido de la banda.

¿Cómo empezaste en la música? ¿Qué tipo de música escuchabas mientras crecías y cómo ha progresado?

Empecé a tocar el clarinete en la banda de mi escuela alrededor del quinto grado. Recuerdo que los presupuestos eran bajos. Era una escuela pública en el barrio de Oak Cliff de Dallas allá por los años noventa. Teníamos a este agente de bienes raíces que venía durante nuestro almuerzo dos veces por semana para ensayarnos durante treinta minutos. Me gusta pensar en esa historia porque todos estábamos sacrificando algo para estar allí. Los niños tuvieron que renunciar al almuerzo. El conductor tuvo que venir en este descanso de su otro trabajo. En ese momento todavía no estaba muy metido en la música. Fue principalmente algo que hice porque mis amigos lo estaban haciendo.

Avancemos un poco: en la escuela secundaria y preparatoria me gustaba mucho el renacimiento del baile swing que estaba ocurriendo a finales de los noventa. Solía ​​salir a bailar con música en vivo dos o tres noches a la semana. Esto fue en Colorado. Tengo que darles algo de crédito a mis padres por ser realmente geniales y confiar en mí para subirme a un auto con un grupo de estudiantes universitarios para salir a bailar todo el tiempo. Empecé a explorar otras formas de baile como la salsa y el merengue. Eventualmente, quise tocar en una banda de baile y sentí en ese momento que el clarinete no sería suficiente. (Por supuesto que eso no es cierto). Conseguí un saxofón y cuando descubrí la improvisación, descubrí que podía crear la música en el momento, me enganché. Tocar música se convirtió en una obsesión.

Es divertido para mí recordar esa época porque la música que escucho ahora parece muy diferente. Por supuesto, no es completamente diferente. Creo que todavía hay una semilla de esa música de baile ahí. He tenido una larga fase de escuchar música improvisada en su mayoría instrumental. Mucha música afroamericana como el jazz. Un montón de música raga india. Principalmente en la tradición indostaní. Escuchar a los compositores de Nueva Música. Esas comunidades siguen siendo una gran parte de mi escucha. Muy recientemente, todo eso ha vuelto a cambiar y estoy empezando a escuchar a compositores y artistas pop y rap de varias épocas. En cierto modo, siento que me estoy poniendo al día con el resto del mundo, jajaja. Acabo de escuchar un montón de Prince en un largo viaje en auto. ¡Algunos de esos ritmos y ritmos son tan enfermizos! También he estado escuchando cada vez más con un oído para la producción de pistas que antes. Antes, estaba tan concentrado en las grabaciones que documentan el sonido de la interpretación acústica en vivo. Ahora estoy entusiasmado con lo que hace la gente durante la producción de una pista.

¿Puedes nombrar algunos factores que influyeron en el curso de tu vida musical? ¿Héroes, modelos a seguir, momentos, interacciones, etc.?

Me siento muy afortunado de tener muchos mentores y ancianos que han compartido su sabiduría y experiencia conmigo. Honestamente, no estaría haciendo lo que estoy haciendo sin la generosidad de muchas personas. El primero que me viene a la mente ahora mismo es el baterista, artista marcial y sanador Milford Graves. Fui muy afortunado de haber podido trabajar con el profesor Graves durante los últimos cinco años. Su influencia continúa profundizando mi pensamiento creativo hasta el día de hoy. Graves desafió constantemente las reglas que me enseñaron y creía sobre la música. Buscó material musical en la biología y el entorno natural. Hacía preguntas como: "¿Estás tocando el nombre del tambor o la membrana vibratoria?" A menudo se nos enseña a pensar en la música a través de los nombres de los elementos musicales. Graves estaba interesado en llegar a los fundamentos del sonido.Mientras sigo descolonizando mi práctica creativa, todavía me pregunto si estoy tocando los nombres de las notas o la membrana vibrante  

En Calcuta, India, estudié música raga con el artista de sarod Prattyush Banerjee. Prattyush-da me dio mi base en la música indostaní. Durante ese tiempo también estuve viviendo y jugando con Tanmoy Bose. En ese momento, Tanmoy Bose tocaba tabla y estaba de gira con Ravi Shankar. Tanmoy-da me abrió muchas puertas en Kolkata. Hubo un evento en particular que ocurrió durante mi tiempo de estudio de música en Kolkata que impactó mucho mi música. Un día tomé un descanso de la práctica y subí a la azotea de mi edificio de apartamentos para relajarme un poco. Hay toda una escena en los tejados de Kolkata. La gente seca su ropa en el techo. La gente pasa el rato y vuela cometas desde el techo. Es una cosa completa. Estaba parado en el techo escuchando la ciudad abajo. Había un zumbido bajo de alguna maquinaria en el trabajo. Uno de esos sonidos que sientes tanto como escuchas. Luego escuché la puntuación rítmica de las bocinas de los autos. En Kolkata, los conductores tocan la bocina cuando se cruzan y, a menudo, se escuchan mientras conducen. El sonido de las bocinas de los coches es omnipresente. Había una charla ambiental de gente hablando en el bazar. Los sonidos de alta frecuencia de los pájaros flotaban por encima de todo lo demás. Todas las capas del espectro sónico se estaban cumpliendo. Me di cuenta de que la ciudad misma era una orquesta. Estaba escuchando los sonidos de miles de decisiones improvisadas dentro de la arquitectura de la ciudad. Desde ese momento he perseguido la idea del paisaje urbano en mi música. Quiero escribir composiciones que utilicen el sonido de personas moviéndose dentro del mismo espacio. Quiero que ese sonido surja de improvisaciones colectivas dentro de una estructura.

¿Puede describir brevemente un momento de frustración de su trabajo anterior y lo que pudo haber hecho para superar los obstáculos? ¿Lo abordarías de manera diferente ahora?

Terminar Samay Raga para Wind Ensemble fue muy frustrante. Era la primera vez que orquestaba música para unos cuarenta instrumentos. La mayor parte del contenido estaba anotado en lugar de improvisado, lo cual era algo nuevo para mí. Estaba escribiendo para un montón de instrumentos para los que nunca había escrito. Así que musicalmente hubo una curva de aprendizaje empinada. Además de eso, fijé como fecha límite para el proyecto el 1 de enero de 2019. En mi imaginación, iba a terminar la pieza con meses de anticipación, por lo que planificar la entrega de la pieza para el 1 de enero no fue gran cosa. Venga la víspera de Año Nuevo, mi esposa y yo íbamos a tener una fiesta. Los invitados comenzaban a llegar. Todavía estaba en el estudio tratando de terminar la pieza. Fue duro. Grabar la partitura y las partes en Sibelius llevaba mucho tiempo. Tenía una versión obsoleta del software, por lo que seguía fallando, lo que provocaba más retrasos. Cuando finalmente entregué la pieza al comisionado principal unos días después, descubrí que la forma en que había organizado las partes de percusión no se podía tocar. Terminé reorquestando todas las partes de percusión. Fue un montón de trabajo. Algunos días me levantaba y trabajaba dieciséis horas en la pieza, dormía unas horas y volvía a hacerlo. Si bien el proyecto fue una tremenda experiencia de aprendizaje, la forma en que lo hice lo hizo más difícil de lo que tenía que ser.

He aprendido a ponerme plazos mucho más realistas. Incluso si comienzo un proyecto temprano, es probable que las últimas semanas antes de la fecha límite sean muy intensas y requieran la mayor parte de mi tiempo. Esto significa que necesito planificar de acuerdo con mi horario de enseñanza y mi vida familiar. Además (y esto parece una lección obvia) aprendí que es importante mantener mi software actualizado y asegurarme de tener las herramientas adecuadas para lo que estoy tratando de lograr. En ese momento yo tenía una mentalidad de escasez. No siempre compraba el software o las herramientas que necesitaba porque tenía miedo de gastar dinero.Finalmente, descubrí que era mucho más crítico conmigo mismo con respecto al cumplimiento de la fecha límite que cualquiera de los directores que me habían encargado. La pieza terminó necesitando otras seis semanas de intenso trabajo después de la fecha límite para terminar. Fue un proceso de humildad. Descubrí que mis colaboradores eran comprensivos con el desorden y los desafíos de escribir una nueva pieza. Aprendí a darme más tiempo y más gracia al trabajar en un proyecto.

¿Hay algún equipo al que recurres más cuando trabajas en un proyecto? ¿Cuáles son algunas de tus herramientas/instrumentos favoritos recientemente?

El año pasado, comencé a usar el Estetoscopio digital ThinkLabs One. Hace un gran trabajo al capturar los sonidos de los latidos del corazón que se pueden grabar en una aplicación de teléfono o software de grabación. Estoy usando el estetoscopio para registrar los latidos de mi corazón. Luego toco junto con el latido del corazón de la misma manera que podrías usar un metrónomo. Las arritmias y la flexibilidad del sonido del corazón realmente ayudan con la sensación rítmica. También disfruto mucho ecualizar el sonido en Logic [Pro X]. Milford Graves es quien me introdujo en la idea de grabar y trabajar con los latidos del corazón. Nuestra primera lección juntos fue sobre él grabando los latidos de mi corazón. La segunda lección fue sobre escuchar los latidos del corazón y analizarlos. Esa experiencia definitivamente impactó mi práctica artística.

Mi compra de instrumento más reciente ha sido un clarinete bajo modelo Buffet "Professional" de finales de los años 60. Estoy tan enamorada de este instrumento. Se siente y suena como si estuviera tocando un árbol, o al menos como imagino que sonaría tocar un árbol. He estado usando el clarinete bajo cada vez más en la banda Ok Miss de Du Yun, y recientemente lo grabé en mi próximo álbum Breathe.

El equipo que más uso para crear, además de mi saxofón, es mi teclado MIDI, auriculares y Logic Pro X. Mi proceso de composición ha cambiado para priorizar el sonido de la música sobre la notación occidental. El teclado MIDI me permite trabajar en la música a altas horas de la noche o temprano en la mañana cuando no puedo tocar instrumentos en mi apartamento. También me permite experimentar con múltiples versiones de una pieza o parte y escuchar la música de inmediato.

Uso mi parlante portátil JBL Charge 3 todos los días para riyaz vocal (práctica) y en talleres de música indostaní. Es genial porque puedo guardarlo en mi mochila y proyecta muy bien el sonido del tanpura electrónico.

Toco un saxofón alto plateado Selmer Serie III. La bocina fue un regalo de graduación de la escuela secundaria en el que toda mi familia contribuyó. Ahora está tan deslustrado y gastado que la gente suele preguntar si es un instrumento antiguo de los años veinte o algo así. Yo siempre digo: “No. Era súper brillante en 2003”.

¿Tiene alguna palabra de sabiduría para las personas que podrían aspirar a un camino similar para sus propias carreras?

Quiero compartir un pensamiento que Milford Graves solía compartir conmigo, que es "¡tienes que CONFIAR en ti mismo!" Es una idea simple que puede ser bastante profunda y, a veces, bastante difícil de mantener. Creo que confiar en ti mismo puede significar muchas cosas diferentes. Confíe en su visión incluso cuando no parezca encajar en la escena o la industria. Confía en tu inspiración aunque no sepas de dónde viene. Confía en lo que te dice tu cuerpo. A veces puede decirle que siga adelante y trabaje más duro. A veces puede pedirte que descanses y tomes un poco de espacio de la música. Eso también está bien. También diría que inviertas en tu autocuidado, amor propio y tu salud mental. No es broma. Puede haber tal romanticización del artista que sufre y se martiriza por su arte en nuestra comunidad. Desafía esa idea. Cuidarte solo apoyará tu trabajo.

¿Cuánto tiempo llevas trabajando con auriculares y cómo los usas normalmente en tu flujo de trabajo?

He estado trabajando con auriculares durante toda mi carrera.Este año marca veinte años de liderar bandas y enseñar música para mí. Cuando comencé a tocar, usaba estos auriculares Sony baratos de $ 15 que podía comprar en Target con un Discman igualmente barato para trabajar en la transcripción de los solos improvisados ​​​​de varios saxofonistas. Yo estaba usando auriculares todo el tiempo. Recientemente, los auriculares se han vuelto cada vez más importantes en mi proceso de composición porque estoy creando la música en Logic. En lugar de comenzar con la notación, estoy grabando cada parte yo mismo, además de usar un teclado MIDI. A menudo uso auriculares durante toda mi sesión de composición. Grabo una parte. Escuche de nuevo. Editar. Juega una y otra vez. Escuchar. Editar. Los auriculares se han convertido en una parte esencial de mi ciclo de retroalimentación creativa. Son especialmente útiles cuando se trata de música biológica y cuando se escuchan grabaciones de latidos del corazón. Es genial tener ese sonido justo en tus oídos cuando trabajas con los latidos del corazón.

¿Cómo han afectado a su trabajo los auriculares Audeze? ¿Puede decirnos en qué ha estado trabajando con ellos recientemente?

¡Estoy constantemente asombrado por el nivel de detalle en el sonido con estas latas! Recientemente hice un seguimiento con un nuevo octeto. El LCD-1 ya está demostrando ser una parte invaluable del proceso mientras escucho la sesión y tomo decisiones sobre qué toma usar o formas de editar múltiples tomas juntas. Este proyecto es la primera vez que creo una banda con voces y cuerdas. Puedo escuchar el viaje total de cada nota desde la articulación hasta la oscilación y el decaimiento en las cuerdas. Estos auriculares crean un espacio sónico para las pistas que me permite escuchar la claridad entre las voces y las partes instrumentales a pesar de que son tomas aproximadas con una ecualización mínima. Con estas latas, puedo tomar decisiones sobre el sombreado y el equilibrio del timbre de una manera que no pude hacer en mis grabaciones anteriores. Creo que seguir adelante con estos auriculares me permitirá producir este disco con más sutilezas en el tono y la producción que nunca antes.

También me gustaría señalar que los LCD-1 son los mejores auriculares para mi salud auditiva que he usado hasta ahora. Con estos auriculares puedo tener una gran experiencia auditiva y trabajar en mis proyectos a bajo volumen. No me encuentro subiendo el volumen constantemente para tratar de obtener más detalles en el sonido o para escuchar una parte específica. ¡Ojalá hubiera empezado a usar estos auriculares hace años!

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