Audeze spricht mit dem Saxophonisten und Komponisten Aakash Mittal

Von der Star Tribune (Minneapolis) als „ein feuriger Altsaxophonist und produktiver Komponist“ gefeiert, Aakash Mittal formt eine dynamische Stimme an der Schnittstelle von Improvisation, Komposition, sonifizierter Bewegung und Lärm. Sein neuestes Album Nocturne wurde von der Denver Post als „ein wunderschönes und herausforderndes Album“ beschrieben (und enthält die anderen Audeze-Künstler Miles Okazaki und Rajna Swaminathan auf ihren Instrumenten). , zusammen mit dem Mix von Liberty Ellman). Als Komponist hat Aakash ausgiebig für eine Vielzahl von Ensembles und Medien geschrieben und über hundert neue Werke hervorgebracht. Zu Mittals Preisen und Ehrungen gehören der Chamber Music America/ASCAP Award for Adventurous Programming of Contemporary Music (2012), der Herb Albert/ASCAP Young Jazz Composers Award (2013) und das American Institute of Indian Studies Senior Creative and Performing Arts Fellowship (2013). .

 

"Ich bin immer wieder erstaunt über die Detailtreue des Klangs mit diesen Dosen ...  Ich wünschte, ich hätte schon vor Jahren angefangen, diese Kopfhörer zu benutzen!"- Aakash Mittal
Hier ist unser Gespräch mit Aakash:
Können Sie Highlights aus Ihrer Arbeit herausgreifen, auf die Sie besonders stolz sind?

Auf meinem Album Videsh gibt es ein Stück namens „The Street“, das immer noch einer meiner Lieblingssongs ist, die ich gemacht habe. Es war das erste Mal, dass ich Field Recordings und gefundene Sounds in einen Track akustisch improvisierter Musik eingebaut habe. Der Track wurde von meiner ersten Reise nach Indien inspiriert. Es war eine lebensverändernde Erfahrung, bei der ich zum ersten Mal einen Teil meiner Familie traf und eine ganze Welt von Stadtgeräuschen in Neu-Delhi und Kalkutta erlebte, die ich noch nie zuvor erlebt hatte. Auf der Reise habe ich die Geräusche von Verkehr und Basaren und die Umgebungsgeräusche indischer Städte aufgenommen. Diese Klänge mit der akustischen Improvisation meiner Band zu verweben, veränderte meine Musik. Seitdem beschäftige ich mich mit Feldaufnahmen und Rauschen in meiner Musik.

Wie würden Sie Ihre Hauptrolle in den meisten Projekten definieren, an denen Sie heutzutage arbeiten?

Die meiste Zeit meiner Karriere war ich oft Bandleader, Komponist und Performer. Normalerweise schreibe ich eine Reihe von Musikstücken. Die Band tritt auf und spielt es eine Menge. Irgendwann sagt ein Bandkollege oder Zuschauer: „Hey, wir spielen/hören uns diese Melodien schon eine Weile an. Du solltest sie aufzeichnen.“ Wenn ich diese Nachricht bekomme, inspiriert mich das normalerweise dazu, ins Studio zu gehen und das Projekt zu dokumentieren. Auf meinem letzten Album Nocturne war es die Mridangam-Künstlerin Rajna Swaminathan, die nach fünf Jahren des Spielens dieser Melodien so etwas sagte wie: „Was hältst du davon, diese Musik aufzunehmen?“ Das war der Anstoß, den ich brauchte, um diesen Prozess wieder in Gang zu bringen.

Seitdem ich nach New York gezogen bin, arbeite ich immer mehr als Komponist für andere Musiker. Derzeit arbeite ich an einem Solostück für die Geigerin Mariefaith Lane und an einem Kammerstück für die Harfenistin Megan Levin der Houston Symphony. 2019 habe ich mein erstes Stück für Bläsersymphonie mit dem Titel „Samay Raga for Wind Ensemble“ fertiggestellt. Es wurde von einem Konsortium aus elf Blasorchestern auf der ganzen Welt aufgeführt. Das war ein episches Projekt, dessen Entstehung ungefähr vier Jahre gedauert hat. Ich war gerade nach NYC gezogen und hatte keine Gigs. Wir hatten eine dieser Wohnungen, wo das Studio auch die Küche ist, die auch das Wohnzimmer ist. Ich brauchte ein Projekt, also fing ich einfach am Küchentisch an, das Stück zu schreiben, obwohl ich wirklich keine Ahnung hatte, was ich tat. So hatte ich noch nie für vierzig Instrumente geschrieben. Ich erinnere mich, dass ich dem Hauptdirigenten die erste Skizze gab und er sagte: „Ihr einziges Schlagzeug ist eine Pauke und ein aufgehängtes Becken. Was würde ich mit den anderen fünf Schlagzeugern machen?“ Am Ende schrieb ich für acht Schlagzeuger, die jeweils zwei bis fünf Instrumente spielten. Es gab eine steile Lernkurve, die eine hohe Zusammenarbeit erforderte.Ich habe durch das Schreiben dieses Stücks so viel gelernt

Als Nebenperson spiele ich dieser Tage in Du Yuns Band Ok Miss. Ich kann alle meine Instrumente spielen, wie Bassklarinette, Saxophone, Flöte und so weiter. Es ist ein wirklich tolles Projekt. Du Yun hat eine wirklich coole Art, die Band zu komponieren und zu produzieren. Sie gibt jedem Raum, in der Musik sie selbst zu sein, und hat gleichzeitig eine Vision für den Sound der Band.

Wie hast du mit der Musik angefangen? Welche Art von Musik haben Sie in Ihrer Kindheit gehört und wie hat sich das entwickelt?

Ich habe in der fünften Klasse angefangen, in meiner Schulband Klarinette zu spielen. Ich erinnere mich, dass die Budgets niedrig waren. In den Neunzigern war es eine öffentliche Schule im Viertel Oak Cliff in Dallas. Wir hatten diesen Immobilienmakler, der zweimal in der Woche während unserer Mittagspause vorbeikam, um uns dreißig Minuten lang zu proben. Ich denke gerne an diese Geschichte, weil wir alle etwas geopfert haben, um dort zu sein. Auf das Mittagessen mussten die Kinder verzichten. Der Dirigent musste in dieser Pause von seinem anderen Job einspringen. Damals war ich noch nicht so musikbegeistert. Es war hauptsächlich eine Sache, die ich tat, weil meine Freunde es taten.

Spulen wir ein bisschen vor – In der Mittelschule und der High School war ich wirklich begeistert von der Wiederbelebung des Swingtanzes, die in den späten Neunzigern stattfand. Früher ging ich an zwei oder drei Abenden in der Woche zu Live-Musik tanzen. Das war in Colorado. Ich muss meinen Eltern zugute halten, dass sie wirklich cool sind und mir vertrauen, dass ich mit ein paar College-Studenten in ein Auto springe, um die ganze Zeit tanzen zu gehen. Ich fing an, andere Tanzformen wie Salsa und Merengue zu erforschen. Irgendwann wollte ich in einer Tanzband spielen und hatte damals das Gefühl, dass die Klarinette nicht ausreichen würde. (Natürlich stimmt das nicht.) Ich bekam ein Saxophon und als ich die Improvisation entdeckte – entdeckte, dass ich die Musik im Moment kreieren konnte – war ich süchtig danach. Musik zu machen wurde zu einer Besessenheit.

Es ist lustig für mich, an diese Zeit zurückzudenken, weil die Musik, die ich jetzt höre, so anders erscheint. Ganz anders ist es natürlich nicht. Ich denke, da ist immer noch ein Samen dieser Tanzmusik drin. Ich habe eine lange Phase des Hörens von meist instrumental improvisierter Musik hinter mir. Viel schwarze amerikanische Musik wie Jazz. Viel indische Raga-Musik. Meist in der Hindustani-Tradition. Komponisten der Neuen Musik zuhören. Diese Gemeinschaften sind immer noch ein großer Teil meines Zuhörens. In letzter Zeit hat sich das alles wieder verschoben und ich fange an, Songwritern und Pop-Künstlern und Rap-Künstlern aus verschiedenen Epochen zuzuhören. In gewisser Weise habe ich das Gefühl, den Rest der Welt einzuholen, lol. Ich habe gerade auf einer langen Autofahrt ein paar Prince gehört. Manche dieser Beats und Grooves sind so krank! Ich höre auch mehr und mehr mit einem Ohr für die Track-Produktion als früher. Früher habe ich mich sehr auf Aufnahmen konzentriert, die den Klang einer akustischen Live-Performance dokumentieren. Jetzt bin ich gespannt, was die Leute während der Produktion eines Tracks machen.

Können Sie Faktoren nennen, die den Verlauf Ihres Musiklebens beeinflusst haben? Helden, Vorbilder, Momente, Interaktionen usw.?

Ich fühle mich wirklich glücklich, viele Mentoren und Älteste zu haben, die ihre Weisheit und Erfahrung mit mir geteilt haben. Ehrlich gesagt würde ich das, was ich tue, nicht ohne die Großzügigkeit vieler Menschen tun. Der erste, der mir jetzt in den Sinn kommt, ist der Schlagzeuger, Kampfkünstler und Heiler Milford Graves. Ich hatte das große Glück, in den letzten fünf Jahren mit Professor Graves zusammenarbeiten zu können. Sein Einfluss vertieft mein kreatives Denken bis heute. Graves stellte ständig die Regeln in Frage, die mir über Musik beigebracht und geglaubt wurden. Er suchte in der Biologie und in der natürlichen Umgebung nach musikalischem Material. Er stellte Fragen wie: „Spielst du den Namen der Trommel oder der vibrierenden Membran?“ Wir sind so oft darauf trainiert, Musik durch die Namen musikalischer Elemente zu denken. Graves war daran interessiert, den Grundlagen des Klangs auf den Grund zu gehen.Während ich meine kreative Praxis weiter entkolonialisiere, frage ich mich immer noch, ob ich die Namen der Noten oder der vibrierenden Membran spiele  

In Kalkutta, Indien, studierte ich Raga-Musik bei dem Sarod-Künstler Prattyush Banerjee. Prattyush-da gab mir meine Grundlage in hinduistischer Musik. Während dieser Zeit lebte und spielte ich auch mit Tanmoy Bose. Zu dieser Zeit spielte Tanmoy Bose Tabla und tourte mit Ravi Shankar. Tanmoy-da hat mir in Kalkutta viele Türen geöffnet. Während meines Musikstudiums in Kalkutta ereignete sich ein besonderes Ereignis, das meine Musik stark beeinflusste. Eines Tages machte ich eine Pause vom Üben und ging auf das Dach meines Wohnhauses, um mich ein wenig zu entspannen. Es gibt eine ganze Szene auf den Dächern in Kalkutta. Die Leute trocknen ihre Wäsche auf dem Dach. Leute hängen ab und lassen Drachen vom Dach steigen. Es ist eine ganze Sache. Ich stand auf dem Dach und hörte der Stadt unten zu. Es gab ein niedriges Dröhnen von Maschinen bei der Arbeit. Einer dieser Klänge, die Sie genauso fühlen, wie Sie hören. Dann hörte ich die rhythmische Interpunktion von Autohupen. In Kalkutta hupen Autofahrer, wenn sie aneinander vorbeifahren, und hören sich während der Fahrt oft gegenseitig zu. Der Klang von Autohupen ist allgegenwärtig. Es gab ein Umgebungsgeplapper von Leuten, die sich auf dem Basar unterhielten. Die hochfrequenten Geräusche der Vögel schwebten über allem anderen. Alle Schichten des Schallspektrums wurden erfüllt. Mir wurde klar, dass die Stadt selbst ein Orchester ist. Ich lauschte den Geräuschen tausender improvisierter Entscheidungen, alle innerhalb der Architektur der Stadt. Seitdem verfolge ich in meiner Musik die Idee der urbanen Geräuschkulisse. Ich möchte Kompositionen schreiben, die den Klang von Menschen nutzen, die sich im selben Raum bewegen. Ich möchte, dass dieser Sound aus kollektiven Improvisationen innerhalb einer Struktur hervorgeht.

Können Sie kurz einen Moment der Frustration bei Ihrer bisherigen Arbeit beschreiben und was Sie möglicherweise getan haben, um die Hindernisse zu überwinden? Würden Sie es jetzt anders angehen?

Die Fertigstellung von Samay Raga for Wind Ensemble war sehr frustrierend. Es war das erste Mal, dass ich Musik für etwa vierzig Instrumente orchestrierte. Die meisten Inhalte waren eher notiert als improvisiert, was mir etwas neu war. Ich schrieb für ein paar Instrumente, für die ich noch nie geschrieben hatte. Musikalisch gab es also eine steile Lernkurve. Darüber hinaus habe ich den Termin für das Projekt auf den 1. Januar 2019 festgelegt. In meiner Vorstellung wollte ich das Stück Monate im Voraus fertigstellen, daher war es keine große Sache, die Lieferung des Stücks für den 1. Januar zu planen. An Silvester feierten meine Frau und ich eine Party. Die Gäste begannen einzutreffen. Ich war immer noch im Studio und versuchte, das Stück fertigzustellen. Es war hart. Das Gravieren der Partitur und der Stimmen in Sibelius dauerte lange. Ich hatte eine veraltete Version der Software, sodass sie ständig abstürzte und weitere Verzögerungen verursachte. Als ich das Stück ein paar Tage später schließlich beim Hauptkommissar einreichte, musste ich feststellen, dass die Art und Weise, wie ich die Schlagzeugpartien organisiert hatte, nicht spielbar war. Am Ende habe ich alle Percussion-Parts neu orchestriert. Es war eine Menge Arbeit. An manchen Tagen stand ich auf und arbeitete sechzehn Stunden an dem Stück, schlief ein paar Stunden und wiederholte es. Während das Projekt eine enorme Lernerfahrung war, machte es meine Vorgehensweise schwieriger, als es sein musste.

Ich habe gelernt, mir viel realistischere Fristen zu setzen. Auch wenn ich früh mit einem Projekt beginne, ist es wahrscheinlich, dass die letzten Wochen vor dem Abgabetermin sehr intensiv sind und die meiste Zeit in Anspruch nehmen. Das bedeutet, dass ich meinen Unterrichtsplan und mein Familienleben entsprechend planen muss. Außerdem (und das scheint eine offensichtliche Lektion zu sein) habe ich gelernt, dass es wichtig ist, meine Software auf dem neuesten Stand zu halten und sicherzustellen, dass ich die richtigen Tools für das habe, was ich zu erreichen versuche. Damals hatte ich ein Mangeldenken. Ich würde nicht immer die Software oder Tools kaufen, die ich brauchte, weil ich Angst hatte, Geld auszugeben.Schließlich entdeckte ich, dass ich mir selbst gegenüber viel kritischer war, wenn es darum ging, die Deadline einzuhalten, als jeder der Dirigenten, die mich beauftragt hatten. Das Stück benötigte schließlich weitere sechs Wochen intensiver Arbeit über die Deadline hinaus, um fertig zu werden. Es war ein demütigender Prozess. Ich fand meine Mitarbeiter verständnisvoll für die Unordnung und die Herausforderungen beim Schreiben eines neuen Stücks. Ich habe gelernt, mir selbst mehr Zeit und mehr Anmut zu geben, wenn ich an einem Projekt arbeite.

Gibt es eine Ausrüstung, die Sie bei der Arbeit an einem Projekt am häufigsten verwenden? Was sind einige Ihrer Lieblingswerkzeuge/-instrumente in letzter Zeit?

Letztes Jahr habe ich angefangen, das ThinkLabs One Digital Stethoskop zu verwenden. Es leistet hervorragende Arbeit bei der Erfassung von Herzschlaggeräuschen, die in einer Telefon-App oder Aufnahmesoftware aufgezeichnet werden können. Ich verwende das Stethoskop, um meinen Herzschlag aufzuzeichnen. Dann spiele ich zum Herzschlag mit, so wie man ein Metronom benutzen würde. Die Arrhythmien und die Flexibilität des Herztons helfen wirklich beim Rhythmusgefühl. Ich genieße es auch sehr, den Sound in Logic [Pro X] mit EQs zu bearbeiten. Milford Graves hat mich auf die Idee gebracht, Herzschläge aufzuzeichnen und mit ihnen zu arbeiten. In unserer ersten gemeinsamen Stunde ging es darum, dass er meinen Herzschlag aufzeichnete. In der zweiten Lektion ging es darum, den Herzschlag zu hören und ihn zu analysieren. Diese Erfahrung hat definitiv meine künstlerische Praxis beeinflusst.

Mein letzter Instrumentenkauf war eine Buffet „Professional“ Modell Bassklarinette aus den späten 60er Jahren. Ich bin so verliebt in dieses Instrument. Es fühlt sich an und klingt, als würde ich einen Baum spielen – oder zumindest so, wie ich mir vorstelle, wie es klingen würde, einen Baum zu spielen. Ich benutze die Bassklarinette immer häufiger in Du Yuns Band Ok Miss und habe sie kürzlich auf meinem bevorstehenden Album Breathe aufgenommen.

Die Ausrüstung, die ich neben meinem Saxophon am häufigsten zum Erstellen verwende, sind mein MIDI-Keyboard, Kopfhörer und Logic Pro X. Mein Kompositionsprozess hat sich geändert, um dem Klang der Musik Vorrang vor der westlichen Notation zu geben. Das MIDI-Keyboard ermöglicht es mir, spät in der Nacht oder früh morgens an Musik zu arbeiten, wenn ich in meiner Wohnung keine Instrumente spielen kann. Außerdem kann ich mit mehreren Versionen eines Stücks oder Teils experimentieren und mir die Musik sofort anhören.

Ich benutze meinen tragbaren Lautsprecher JBL Charge 3 jeden Tag für Gesangs-Riyaz (Übungen) und in Hindustani-Musikworkshops. Es ist großartig, weil ich es in meinem Rucksack verstauen kann und es den elektronischen Tanpura-Sound sehr gut wiedergibt.

Ich spiele ein Selmer Series III versilbertes Altsaxophon. Das Horn war ein Abiturgeschenk, an dem meine ganze Familie mitgewirkt hat. Jetzt ist es so angelaufen und abgenutzt, dass die Leute oft fragen, ob es ein antikes Instrument aus den zwanziger Jahren oder so ist. Ich sage immer: „Nein. Es war 2003 super glänzend.“

Haben Sie weise Worte für Menschen, die einen ähnlichen Weg für ihre eigene Karriere anstreben könnten?

Ich möchte einen Gedanken teilen, den Milford Graves oft mit mir teilte, nämlich: „Du musst dir selbst VERTRAUEN!“ Es ist eine einfache Idee, die ziemlich tiefgreifend und manchmal ziemlich schwierig sein kann, sich daran zu halten. Ich denke, sich selbst zu vertrauen, kann viele verschiedene Dinge bedeuten. Vertrauen Sie Ihrer Vision, auch wenn sie nicht in die Szene oder Branche zu passen scheint. Vertrauen Sie Ihrer Inspiration, auch wenn Sie nicht wissen, woher sie kommt. Vertraue darauf, was dein Körper dir sagt. Manchmal kann es Ihnen sagen, dass Sie nach vorne drängen und härter arbeiten sollen. Manchmal kann es Ihnen sagen, dass Sie sich ausruhen und etwas Abstand von der Musik nehmen sollen. Das ist auch in Ordnung. Ich würde auch sagen, investieren Sie in Ihre Selbstfürsorge, Selbstliebe und Ihre geistige Gesundheit. Kein Witz. Es kann eine solche Romantisierung des Künstlers geben, der in unserer Gemeinschaft für seine Kunst leidet und selbst zum Märtyrer wird. Fordern Sie diese Idee heraus. Sich um sich selbst zu kümmern wird Ihre Arbeit nur unterstützen.

Wie lange arbeiten Sie schon mit Kopfhörern und wie verwenden Sie sie normalerweise in Ihrem Arbeitsablauf?

Ich habe während meiner gesamten Karriere mit Kopfhörern gearbeitet.Dieses Jahr ist für mich das zwanzigste Jahr, in dem ich Bands leite und Musik unterrichte. Als ich anfing zu spielen, benutzte ich diese billigen 15-Dollar-Kopfhörer von Sony, die ich bei Target mit einem ebenso billigen Discman kaufen konnte, um an der Transkription der improvisierten Soli verschiedener Saxophonisten zu arbeiten. Ich habe die ganze Zeit Kopfhörer benutzt. In letzter Zeit sind Kopfhörer in meinem Kompositionsprozess immer wichtiger geworden, weil ich die Musik in Logic erstelle. Anstatt mit Notation zu beginnen, nehme ich jeden Part selbst auf und benutze ein MIDI-Keyboard. Ich benutze oft während meiner gesamten Kompositionssitzung Kopfhörer. Ich nehme einen Teil auf. Hören Sie zurück. Bearbeiten. Immer wieder spielen. Hör mal zu. Bearbeiten. Kopfhörer sind zu einem wesentlichen Bestandteil meiner kreativen Feedback-Schleife geworden. Sie sind besonders hilfreich beim Umgang mit biologischer Musik und beim Hören von Herzschlagaufnahmen. Es ist großartig, diesen Klang direkt in den Ohren zu haben, wenn man mit Herzschlägen arbeitet.

Wie haben sich Ihre Audeze-Kopfhörer auf Ihre Arbeit ausgewirkt? Können Sie uns sagen, woran Sie in letzter Zeit mit ihnen gearbeitet haben?

Ich bin immer wieder erstaunt über den Detaillierungsgrad des Sounds mit diesen Dosen! Ich habe kürzlich ein Tracking mit einem neuen Oktett durchgeführt. Der LCD-1 erweist sich bereits als unschätzbarer Teil des Prozesses, wenn ich mir die Session anhöre und Entscheidungen darüber treffe, welche Takes ich verwenden oder wie ich mehrere Takes zusammen bearbeiten kann. Dieses Projekt ist das erste Mal, dass ich eine Band mit Gesang und Streichern gründe. Ich kann den gesamten Weg jeder Note hören, von der Artikulation über die Oszillation bis hin zum Abklingen der Saiten. Diese Kopfhörer schaffen einen klanglichen Raum für die Tracks, der es mir ermöglicht, Klarheit zwischen Gesang und Instrumentalparts zu hören, obwohl es sich um grobe Takes mit minimalem EQ handelt. Mit diesen Dosen bin ich in der Lage, Entscheidungen über Timbral Shading und Balance zu treffen, wie ich es bei meinen vorherigen Aufnahmen nicht konnte. Ich denke, dass mir diese Kopfhörer in Zukunft ermöglichen werden, diese Platte mit mehr Feinheiten im Ton und in der Produktion als je zuvor zu produzieren.

Ich möchte auch anmerken, dass die LCD-1s die besten Kopfhörer für meine Gehörgesundheit sind, die ich bisher benutzt habe. Mit diesen Kopfhörern kann ich ein tolles Hörerlebnis haben und bei geringer Lautstärke an meinen Projekten arbeiten. Ich merke nicht, dass ich ständig die Lautstärke erhöhe, um zu versuchen, mehr Details in den Klang zu bringen oder einen bestimmten Teil zu hören. Ich wünschte, ich hätte diese Kopfhörer schon vor Jahren benutzt!

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