Chris Lightcap lebt in Brooklyn, NY, und ist ein akustischer und elektrischer Bassist, Komponist, Improvisator und Bandleader, der in den Bereichen Jazz, Experimental, Rock und zeitgenössische Musik arbeitet. Als Bandleader hat er bis heute sechs von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht und mit einer Vielzahl von Musikern zusammengearbeitet, darunter Regina Carter, Joe Morris, Matt Wilson und Nels Cline sowie mit anderen Audeze-Künstlern Julian Lage, Craig Taborn, Ches Smith, Ingrid Laubrock, Dan Weiss, David Breskin, Tyshawn Sorey, Ron Saint Germain und Mary Halvorson.

Hier ist unser Chat mit Chris:

Kannst du irgendwelche Favoriten aus deiner Arbeit herausgreifen, auf die du besonders stolz bist?

Letztes Jahr habe ich mein sechstes Album als Bandleader herausgebracht, SuperBigmouth (Pyroklastische Aufzeichnungen, 2019). Es wurde von meinem Freund David Breskin co-produziert und ist ein Oktett, das meine beiden bestehenden Bands Bigmouth (Tony Malaby am Tenorsaxophon, Craig Taborn am Keyboard und Gerald Cleaver am Schlagzeug) kombiniert. und Superette (Jonathan Goldberger, Curtis Hasselbring und Dan Reiser). Ich habe die Musik über zwei Jahre entwickelt und bin unglaublich stolz auf die Arbeit, die die Musiker in das Projekt gesteckt haben. Es wurde von Andrew Taub bei Brooklyn Recording aufgenommen und von Ron Saint Germain gemischt.

Ein weiteres Breskin-Saint-Projekt war Superette (Royal Potato Family, 2018), bei dem meine gleichnamige vierköpfige Elektroband zusammen mit Nels Cline und John Medeski zu Gast ist.

Ich habe auch zwei Alben mit meiner Band Bigmouth auf dem Label Clean Feed herausgebracht: Deluxe (2010) und Epicenter (2015).

Als Bassist/Mitarbeiter habe ich zu meinen Lieblingsalben gehört, darunter Craig Taborns Daylight Ghosts (ECM, 2017) und Regina Carters Reverse Thread (E1, 2010) und Circle Down (242 music, 2009) von Chad Taylor.

Wie würden Sie Ihre Hauptrolle in den meisten Projekten, an denen Sie arbeiten, definieren?

Meine Rolle variiert je nach Projekt. Auf meinen eigenen Platten bin ich der Hauptkomponist, Bandleader und Produzent sowie der Bassist. Dann gibt es viele Bands, in denen ich im Laufe der Jahre Bass gespielt habe, in denen ich einen kooperativeren Ansatz verfolge – Feedback zu Produktion und Arrangements geben, Material beisteuern, Musik vorschlagen usw. – die Gruppen von Regina Carter, Craig Taborn und Matt Wilson sind Beispiele davon. Und manchmal bin ich eher eine „gemietete Waffe“ – komm einfach vorbei und erledige den Job. Ich bin mit allem zufrieden und mag die Abwechslung.

Wie hast du mit der Musik angefangen? Welche Art von Musik hast du gehört, als du aufgewachsen bist, und wie hat sich das entwickelt?

Ich hatte das Glück, in einem Haushalt aufzuwachsen, der großen Wert auf Musik und Kunst legte. Meine Eltern hörten zu Hause alle Arten von Musik, waren aber besonders fanatisch für klassische Musik. Ich bin im Westen von Pennsylvania aufgewachsen und wir haben viele Reisen unternommen, um die Pittsburgh Symphony zu hören. Ich habe es damals nicht so sehr geschätzt, wie ich es hätte tun sollen, aber ich habe Andre Previn und Lorin Maazel regelmäßig dirigieren hören, ebenso wie Weltklasse-Solisten wie Lynn Harrell und Itzhak Perlman. Ich habe mit 9 angefangen, Geige zu lernen, wurde aber schnell zu einem Rockmusik-Besessenen, also beschloss ich mit vierzehn, dass ich mit meinen Freunden in Bands Bassgitarre spielen wollte, und begann, mir selbst beizubringen, wie man auf der Fender Precision meines Cousins ​​spielt. Ich kam in die R&B- und Soul-Musik, die mich dann in den elektrischen Jazz brachte, und dann grub ich die Alben von Ahmad Jamal, MJQ und Duke Ellington meines Vaters aus. Es war nur eine Frage der Zeit, bis ich anfangen wollte, Kontrabass zu spielen; mit 17 habe ich endlich die Geige aufgegeben und bin zuerst in den aufrechten Kopf eingetaucht, habe bei klassischen Lehrern gelernt, während ich neben allem anderen so viel Jazz wie möglich hörte und spielte.Während des Studiums klassischer Musik und Jazz sowie Komposition und immer noch in Rockbands spielend, erweiterten sich meine Hörgewohnheiten, als ich tiefer in die Musik eintauchte, und als ich nach New York zog, hörte ich vielleicht Monk, Neil Young, Coltrane, Xenakis, Cecil Taylor oder Bach

Können Sie Faktoren nennen, die Ihrer Meinung nach den Verlauf Ihres Musiklebens maßgeblich beeinflusst haben? Helden, Vorbilder, Momente, Interaktionen usw.?

Nun, in erster Linie hatte meine Familie einen großen Einfluss. Zusätzlich zu all der aufgenommenen Musik, die im ganzen Haus gespielt wird, war meine Mutter ihr ganzes Leben lang klassische Pianistin und spielt nach Gehör und singt. Mein Vater ist kein Musiker, aber er liebt Musik und ist ein begeisterter Plattensammler und ein Audiophiler. Als Teenager stand er wie Chuck Berry auf frühen Rock'n'Roll, und als er dann aufs College ging, kam er zu Jazz, Folk und klassischer Musik. Meine Eltern hörten die übliche klassische Kost, mochten aber auch modernere Sachen wie Charles Ives und Messiaen. Auch meine Cousins ​​Mark und Steve, die in Philly lebten, waren ein großer Einfluss. Sie waren wie ältere Burschen, die ich nie hatte – Steve spielte Keyboards und Bassgitarre und es war sein Fender, den ich mir ausgeliehen hatte, als ich mit dem Bass anfing. Und Mark spielte klassische Tuba und Gitarre und stand auf all die härteren, hipperen Stoner-artigen Sachen, denen ich in unserem Haus nie ausgesetzt war. Mark wurde ein versierter Musiker, studierte Komposition an der CalArts, gründete die Band Acetone und arbeitete mit Matmos und den Radar Bros. zusammen. In der Familie kursierte also viel Musik.

Später war ein großer Einfluss der Schlagzeuger Ed Blackwell, den ich am College studierte und mit dem ich spielte. Es war ein Zufall, weil ich gerade anfing, mich stark mit der Musik von Ornette Coleman und Charlie Haden zu beschäftigen, und hier lernte ich von einem der größten Schlagzeuger, die aus diesem Universum hervorgegangen sind. In der Nähe eines Meisters auf diesem Niveau wuchs natürlich mein Verständnis des Instruments und der Musik im Allgemeinen jedes Mal, wenn ich mit ihm in Kontakt kam. Aber auch sein Vorbild als Mensch hatte einen großen Einfluss … als ich ihn kennenlernte, war er schwer krank und lebte seit über 15 Jahren von der Dialyse. Er hatte eindeutig ständige Schmerzen und humpelte langsam herum, aber wenn er sich hinter das Schlagzeug setzte, spielte er mit so viel Feuer, Energie, Swing und Kreativität wie jeder Schlagzeuger, der jemals gelebt hat ... er war ein Beispiel für Demut und Dankbarkeit und erinnerte jeden daran habe ihn spielen gehört, dass es so ein Privileg ist, großartige Musik zu erleben. Ich konnte keine legitimen Ausreden für irgendetwas finden, nachdem ich ihn getroffen hatte. Er war ein Geschenk.

Können Sie kurz einen Moment der Frustration bei Ihrer bisherigen Arbeit beschreiben und was Sie möglicherweise getan haben, um die Hindernisse zu überwinden? Würdest du es jetzt anders angehen?

Es gab Zeiten, als ich jünger war, als ich das Gefühl hatte, mit bestimmten Schlagzeugern nicht spielen zu können. Egal, wo ich versuchte, mich rhythmisch einzuordnen, es fühlte sich nie richtig an. Es dauerte ein paar Jahre, bis ich merkte, dass mein Sound nicht funktionierte. Es ist nicht so, dass mein Sound per se „schlecht“ war, aber ich habe nicht wirklich mit einem Bewusstsein für Sound gespielt. Wenn der Sound eines Bassisten nicht so harmoniert, wie es mit dem Ride-Becken eines Schlagzeugers funktioniert, wird er sich rhythmisch nie richtig anfühlen. Klangbewusstsein muss zwischen allen Musikern vorhanden sein, bevor man sich mit irgendwelchen anderen Aspekten der Musik befassen kann. Wenn ich jetzt spiele, ist es das Erste, worauf ich mich einzustellen versuche … es gibt so viele Aspekte der Klangumgebung, die sich bereits unserer Kontrolle entziehen, und daher ist es entscheidend, bereit zu sein, jeder Situation mit diesem Bewusstsein zu begegnen.

Gibt es einen Gang, an dem Sie sich bei der Arbeit an einem Projekt am meisten orientieren? Was sind einige Ihrer Lieblingswerkzeuge/-instrumente in letzter Zeit?

Ich bin glücklich, dass sich der erste Kontrabass, den ich je besaß, als ein großartiges Instrument herausstellte, das bis heute mein Hauptinstrument ist.Es ist ein ziemlich normaler, deutscher „No-Name“-Bass von etwa 1910, den ich 1989 von einem alten Pittsburgh Symphony-Spieler namens Joe Wallace im Ruhestand bekam. Er hatte tatsächlich eine ziemlich erstaunliche Geschichte. Ich habe kürzlich seinen Nachruf ausgegraben... Wie ich, hat er als Kind mit der Geige angefangen, ist später zum Bass gewechselt und hat Jazz-Gigs in ganz Pittsburgh gespielt. Er wurde engagiert, um mit den Pittsburgh Symphony in seinen Zwanzigern zu spielen, obwohl er keine Erfahrung mit klassischer Musik hatte. Ein paar Jahre später wurde Fritz Reiner Dirigent und feuerte sofort die gesamte Bass-Sektion – bis auf Joe. Er spielte mit Coleman Hawkins und Roy Eldridge und erzählte mir Geschichten darüber, wie er Ray Brown als Teenager Unterricht gegeben hatte, bevor Ray nach New York zog. Nachdem er sich 1979 vom PSO zurückgezogen hatte, fing er an, Bässe von zu Hause aus zu verkaufen.

Wie auch immer, als ich zu ihm ging, hatte ich erst seit einem Jahr gespielt, also hatte ich keine Ahnung, wie man ein Instrument auswählt … Ich hatte ein winziges Budget und ich fragte ihn nach den billigsten geschnitzten Bässen im Laden und er zeigte mir schließlich den, den ich jetzt habe … er war sehr günstig, etwas teurer als die Sperrholzbässe, die er verkaufte … er sagte beides er und sein Sohn hatten den Bass oft bei Gigs benutzt; Alles, was ich damals wirklich über den Bass sagen konnte, war, dass er laut war. Als ich in die Stadt zog, stellte ich fest, dass es oben einen riesigen Riss hatte, der nie richtig repariert worden war, was dazu führte, dass es instabil war und einen viel dünneren Klang hatte, als es sollte. Es waren viele kostspielige Reparaturen erforderlich, die schließlich durchgeführt wurden, als ich das Geld hatte. Als ich ein paar Jahre später anfing, damit um die ganze Welt zu fliegen, wurde sie natürlich hin und wieder beschädigt. Aber jedes Mal, wenn es repariert wurde, wurde es stabiler und sein Grundton blühte ein wenig mehr auf und der Ton wurde komplexer. An diesem Punkt findet es wirklich ein Gleichgewicht zwischen konzentriert und warm mit viel Lautstärke, und ich bekomme viele Komplimente von Ingenieuren darüber, wie einfach es ist, in einer Live-Umgebung aufzunehmen und zu mikrofonieren. Mit diesem Bass hatte ich großes Glück.

Für E-Bässe habe ich ein paar ältere Bassgitarren, die meine Favoriten sind… Ich habe eine 64er Fender Precision, die meine erste Wahl für so ziemlich alles ist, was ich bekomme auf elektrisch gefragt ... diese alten Kotflügel sind magisch. Sie hat, wie die meisten meiner anderen Elektriken, flach gewickelte Saiten. Ich habe auch eine 66er Precision mit runden Wunden … sie ist superleicht und hat einen tollen Hals. Ich habe in den ersten sieben Jahren, in denen ich in New York lebte, eigentlich aufgehört, E-Bass zu spielen, aber als ich wieder damit angefangen habe, waren die Instrumente, zu denen ich mich anfangs hingezogen fühlte, alte Hollowbody-Bassgitarren, und die, die ich derzeit benutze, sind entweder eine 68er Guild Starfire II oder ein Kay K-162-Bass von 1952 (Bild oben). Wenn ich mit einem Elektroflugzeug fliegen muss, nehme ich normalerweise meinen 83er Precision-Bass mit, der der erste Bass war, den ich tatsächlich besaß, bezahlt mit sechs Monaten Rasenmähgeld, als ich 15 war. Er ist unzerstörbar (bisher).

Wenn ich zu Hause E-Bass aufnehme, lasse ich ihn immer durch meinen Ampeg B-15 von 1965 laufen. Die meisten Studios haben heutzutage interne Vintage-B-15, die ich normalerweise verwende, obwohl ich für SuperBigmouth bei Brooklyn Recording ihren Versatone-Verstärker verwendet habe, einen sehr seltenen Röhrenverstärker, der von Jack Casady und Carol Kaye verwendet wird und einen erstaunlichen Klang erzeugt .

Wenn ich aufrecht in einer Live-Umgebung spiele, suche ich nach einem möglichst natürlichen akustischen Ton und nehme ihn mit einem Audio Technica ATM 35-Kondensatormikrofon auf und sende ihn an das Haus und die Monitore. Bei Bedarf stecke ich den Tonabnehmer des Upright auch in einen B-15, es sei denn, ich brauche etwas Stärkeres, in diesem Fall fordere ich einen Orange AD-200B oder einen Ampeg SVT mit einer 4 x 10-Box an. Wenn ich sowohl aufrecht als auch elektrisch spiele, lasse ich sie in denselben Verstärker laufen und benutze ein Radial Bassbone-Pedal, um zwischen ihnen umzuschalten. Ich habe auch ein paar andere Pedale, die ich mit E-Bässen verwende, wenn es die Situation erfordert.

Für Aufnahmen zu Hause habe ich ein Soundelux ifet7, das eine moderne Kopie eines Neumann U47 FET ist.Es funktioniert sowohl auf Kontrabässen als auch auf Verstärkern. In Studios bitte ich darum, dass der Ingenieur sowohl ein Neumann U-47 Röhrenkondensatormikrofon als auch ein Cinch-Bändchenmikrofon wie ein 44 oder ein 77 betreibt, falls verfügbar.

Haben Sie irgendwelche Worte der Weisheit für Menschen, die einen ähnlichen Weg für ihre eigene Karriere anstreben könnten?

Es ist wichtig, musikalische Situationen und Zusammenarbeiten zu priorisieren, die Sie inspirieren und herausfordern, weil In diesen Umgebungen werden Sie aufblühen und Ihre beste Arbeit leisten. Aber gleichzeitig denke ich, dass Musiker keine Angst haben sollten, zumindest einen Auftritt zu versuchen, auch wenn sie sich nicht sicher sind, ob es sich musikalisch lohnt oder nicht. Ich war in Situationen wie diesen meistens angenehm überrascht und sie haben oft zu lang anhaltenden, bedeutungsvollen Beziehungen geführt oder waren auf eine Weise herausfordernd, die mich zu einem besseren Musiker gemacht hat. Und wenn es nicht klappt, musst du es nicht noch einmal machen und es wird dich nicht umbringen.

Wie lange arbeitest du schon mit Kopfhörern und wie verwendest du sie normalerweise? Sie in Ihren Arbeitsablauf?

Auf Platten, die ich produziere, kann es ein sich ständig bewegendes Ziel sein, ein objektives Gefühl dafür zu bekommen, was ein Mix „ist“, und ist daher, gelinde gesagt, eine Herausforderung. Wiedergabesysteme, Lautsprecher … sogar die Tageszeit oder die eigene Stimmung scheinen einen Mix radikal anders klingen zu lassen als beim letzten Mal. Kopfhörer sind in diesem Zusammenhang wichtige Werkzeuge, die mehr preisgeben und ein gewisses Maß an Konsistenz in das Verfahren bringen. Egal, ob ich in Mix- oder Mastering-Sessions bin, Sie finden mich regelmäßig zwischen Monitoren und Kopfhörern hin und her. Wenn es darum geht, Bass auf den Platten anderer Leute zu spielen, nehme ich nach dem ersten Take, wenn alle in den Kontrollraum gehen, um die Wiedergabe zu hören, normalerweise ein paar Dosen, damit ich einen Schritt zurücktreten, den Bass klarer hören und ein Gefühl dafür bekommen kann, wie Mein Spiel bezieht sich auf das, was um es herum passiert. Klingt es so, als ob ich meine Tonhöhe hören könnte? Übertreibe ich/untertreibe ich usw.? Ich habe nie das Gefühl, dass ich genug von diesen kleinen Bassdetails durch die meisten Studiomonitore hören kann. Zu Hause habe ich ein kleines Studio-Setup, das ich zum Aufnehmen von Bassspuren für die Projekte anderer Leute, zum Komponieren und Erstellen von Demos meiner Musik für meine verschiedenen Bands sowie für verschiedene elektronische Nebenprojekte verwende. In dieser Funktion würde ich sagen, dass ich zu 75 Prozent der Zeit Kopfhörer verwende, im Gegensatz zu meinen Monitoren, um die akustischen Anomalien zu umgehen, die bei Wohnungs-Setups selbstverständlich sind. Und natürlich sind Kopfhörer für die Arbeit bis spät in die Nacht unerlässlich.

Wie haben sich Ihre Audeze-Kopfhörer auf Ihre Arbeit ausgewirkt? Kannst du uns sagen, woran du bisher damit gearbeitet hast?

Ich bin ein Fan von Audeze-Kopfhörern, seit ich die Superette-Platte produziert und David Breskins EL-8 bei Ron Saint ausgeliehen habe Germains Mischstudio. Ich war beeindruckt von dem Dynamikbereich und der Basserweiterung, die sie hatten. Ungefähr ein Jahr später, als er SuperBigmouth mischte, hatte Saint gerade seine LCD-Xs erhalten und schwärmte davon. Ich muss zugeben, dass ich High-End-Kopfhörern oft skeptisch gegenüberstehe, aber als ich sie aufgesetzt habe, habe ich sie sofort verstanden. Die Klangbühne, Dynamik, Details, Luft und das Raumgefühl haben mich einfach umgehauen. Meine Lieblingskopfhörer waren einige gute, günstigere Dosen, die ich als Referenz mitgebracht hatte, aber als ich die LCD-Xs ausprobierte, konnte ich nicht aufhören, nach ihnen zu greifen. Viele kritische Entscheidungen über den Mix wurden basierend auf dem getroffen, was ich speziell mit ihnen hörte. Ich höre einfach so viel mehr, auf so ausgewogene Weise im Vergleich zu allen anderen Kopfhörern, die ich je benutzt habe. Jetzt habe ich mein eigenes Paar und bin gerade dabei, ein Projekt zu mischen, für das sie eine große Bereicherung bei der Auswahl des von mir gewünschten Reverb-Typs waren. In meiner Freizeit durchforste ich meine Vinyl-Sammlung und erlebe die Musik auf eine ganz neue Art und Weise. Sie verändern das Spiel.

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